MoMA und die Ausstellung „Woven Histories“: Textilien und Abstraktion angesichts einer politischen Offensive

„Woke ist tot. Museen in Washington und im ganzen Land sind im Grunde der letzte überlebende Teil von Woke. Sie diskutieren, wie schrecklich unser Land ist … nichts über unsere Brillanz, nichts über unsere Zukunft. Das werden wir nicht zulassen . Ich habe meine Anwälte angewiesen, sich mit den Museen auseinanderzusetzen … Wir haben das attraktivste Land der Welt, und wir wollen, dass die Leute darüber reden, auch in den Museen.“

Dieser jüngste Tweet von Donald Trump geht weit über seinen Kampf gegen Ideen zur Bewusstseinsbildung hinsichtlich rassistischer, sozialer und sexueller Ungleichheit hinaus: Er zeigt, dass der Präsident besser als viele andere die symbolische Kraft versteht, die ein Museum entwickelt, wenn es die Kunst beherrscht, einprägsame Geschichten zu erzählen, um Werte oder Wissen zu vermitteln.

Die Auswirkungen der präsidialen Maßnahmen auf die US-Museen sind unterschiedlich. In öffentlichen Museen führten sie zu umstrittenen Entlassungen und einer Neuausrichtung der kuratorischen Praxis. In privaten Museen hingegen führte dies zu einer Mäßigung des Diskurses, insbesondere bei jenen, die für bestimmte Projekte auf öffentliche Gelder angewiesen sind. Am unabhängigsten von diesen Höhen und Tiefen sind Museen wie das MoMA (Museum of Modern Art) in New York, die über ein Stiftungsvermögen von mehreren Millionen Dollar verfügen, das aus zahllosen Spenden stammt.

Über die Absagen und Exzesse hinaus ist es für Museen sinnvoll, ihre Annahmen zu überdenken , nicht nur in Bezug auf Rasse oder Geschlecht, sondern auch in Bezug auf das Wesen der Kunst und ihre Funktionen. „Woven Histories. Textiles and Modern Abstraction“ , das bis zum 13. September im MoMA zu sehen ist, ist ein erfolgreiches Beispiel kuratorischer Forschung, die darauf abzielt, neue Interpretationen des Aufstiegs der abstrakten Kunst zu bieten und ihre Beziehung zur Textilkunst hervorzuheben, die hauptsächlich von Frauen praktiziert wurde und damals als minderjährige oder angewandte Kunst galt.

In einer vom Ersten Weltkrieg zerstörten Welt wollten Avantgarde-Künstler zur Schaffung einer utopischen und egalitären Gesellschaft beitragen. Sie waren davon überzeugt, dass die ästhetische Erfahrung ein universelles Interesse darstellt. Viele von ihnen, insbesondere Frauen mit interdisziplinärer Perspektive, nutzten ihre Gemälde und Zeichnungen, um handwerkliche und industrielle Textilien zu entwerfen, mit dem Ziel, Schönheit in alle Lebensbereiche zu bringen.

Die russischen Konstruktivisten entwarfen Kleidung . In den Webereien des Bauhauses entwarfen Anni Albers und Gunta Stolzl Gobelinstoffe für die Massenproduktion und einzigartige Wandbehänge in verwandten Stilen.

All dies kann in den Galerien bewundert werden : Die Werke von Paul Klee (das wunderschöne Gemälde „Abendfeuer“) sind kaum von denen von Sophie Taeuber-Arp zu unterscheiden, bis sie zu Stickereien werden. Dasselbe gilt für die Gemälde von Josef Albers und Anni Albers, bis ihre Entwürfe zu Tischdecken oder Wandteppichen werden.

In einer Vitrine ist „Tapis et Tissus“ ausgestellt, ein 1929 von Sonia Delaunay herausgegebenes Portfolio , das Teppich- und Textildesigns mit einer konstruktiven Sprache enthielt, die von Künstlern geschaffen wurden, die ihre Ideen durch Massenmarktprodukte vermitteln wollten.

Viele von ihnen wanderten mit dem Aufstieg des Nationalsozialismus in die Vereinigten Staaten aus ; Anni Albers ließ sich am Black Mountain College in North Carolina nieder. Von dort aus leitete sie einen Workshop zum Thema Experimentieren und Produzieren sowie einen Prozess der theoretischen Reflexion über die soziale Funktion von Textilien (wobei viel über die von ihr bewunderten Stücke der Andenvölker Lateinamerikas gesprochen wurde), der die ganze Welt beeinflusste.

Fäden, Wolle, Seile und Kabel wurden von New Yorker Künstlern übernommen; die Textilkunst begann, ihren Platz in der bildenden Kunst einzunehmen. Die Galerien zeigen Werke der kolumbianischen Künstlerin Olga de Amaral, die an der Michigan Academy of Art ausgebildet wurde und später in Bogotá eine Werkstatt gründete, um alte Andentraditionen wiederzubeleben; sowie von Leonore Tawney und Agnes Martin, die in New York gemeinsam den Weg von der Malerei zur Weberei wagten.

Die letzten beiden Räume sind dem Thema Raster und Handwerk gewidmet. In „Grids, Nets and Knots“ erscheinen Reihen und Spalten auf allen erdenklichen Trägern: einem Ölgemälde von Jack Whitten, einem Wandteppich von Ed Rossbach, einem Tikal von Anni Albers, Textilien des Venezolaners Gego und verzinkten Stahlkonstruktionen von Ruth Asawa.

In der Ausstellung „Labor (Work)“ reflektieren Künstler die Textilindustrie, die in den Randländern durch ausbeuterische Löhne angetrieben wird und Hyperkonsum sowie Umweltzerstörung fördert. Außerdem gibt es „Life Wear“ – Kleidungsstücke, die von Künstlerinnen entworfen wurden und als Ausdrucksmittel getragen werden können.

Die Pullover von Ellen Lesperance sind konzeptionell tiefgründig und voller Humor. Die spanische Designerin Teresa Lanceta und die argentinisch-amerikanische Analia Saban kombinieren handwerkliche und industrielle Techniken in Wandteppichen mit starkem Gespür für Charakter.

Die Ausstellung wird von einem tadellosen Katalog begleitet, der die ihr zugrunde liegende Idee durch theoretische Überlegungen und einen historischen Kontext ergänzt : die zentrale Bedeutung der Kreativität in unserem Leben, sowohl auf dem Teppich, auf dem wir gehen, als auch an der Wand eines Museums.